ENTREVISTA


  • Joshua Cairós entrevistado en Canarias Creativa

    ENTREVISTA - September 6, 2012

    Nuestro artista Joshua Cairós ha sido entrevistado por el sitio web español Canarias Creativa. La interesante entrevista puede leerse completa aquí.


  • Entrevista en exclusiva con Andrea Meléndez

    ENTREVISTA - July 11, 2012

    Tenemos la suerte de entrevistar hoy a Andrea Meléndez, fotógrafa amante del monocromo y una de las miembros más longevas del colectivo. Cuéntanos algo sobre ti. Tengo estudios profesionales en Arte y Comunicación Visual, me apasiona la fotografía, la ilustración, la música, los gatos, el internet, la historia del arte, las cosas raras, oscuras, feas, viejas y el chocolate. He participado en tres exposiciones colectivas en Costa Rica, destacando entre ellas la exposición "Realidades" en el Museo Nacional de Costa Rica" y en "Expofoto edición 2011" donde mis fotografías se utilizaron como parte de la imagen publicitaria del evento. ¿Qué te inspira a la hora de crear tus trabajos? Esta pregunta me hace tener algo así como una crisis personal en la que chocan mi formación académica con mi experiencia personal y más subjetiva, estudié una carrera de Arte y Comunicación Visual con un Énfasis en Diseño Gráfico, siempre se me dijo durante el periodo de mis estudios que la inspiración no existía y que no debíamos decir que nosotros como diseñadores gráficos nos inspirábamos para conseguir nuestros diseños. Eso era comprensible puesto que el diseño responde en gran parte a la puesta en práctica de conocimientos para solventar una necesidad comunicativa específica, si un diseño no comunica el mensaje original que le dio origen no sirve y punto, serás un mal diseñador, a diferencia del arte, que es más subjetivo y no necesariamente tan objetivo. Pero toda esa teoría universitaria perdió validez una vez que descubrí lo que me produce crear imágenes tal cual lo hago hoy en día. Sin miedo de preguntarme ahora que dirían mis profesores al escucharme, puedo decir que si hago uso de la entonces innombrable inspiración, porque así lo siento cuando me dejo llevar por algún impulso original para crear alguna imagen. No temo confesar que me inspira hondamente la tristeza, la oscuridad, lo perturbador, lo sombrío y macabro, la muerte y la nostalgia, lo sublime, la música, la melancolía, el cine mudo y en blanco y negro, lo feo, lo bizarro, las pesadillas... por sólo citar algo de la lista tan amplia. ¿Cómo empezaste a desarrollarte como artista? Estudié Arte y Comunicación Visual en la Universidad, saqué además un énfasis en Diseño Gráfico e inicié uno en pintura que no terminé, sin embargo es hasta aproximadamente un año después de terminar la carrera profesional que empecé a sentir una fuerte inclinación por la fotografía. Al inicio no buscaba comunicar a otras personas algún tipo de mensaje, hacía fotos a manera de terapia personal, era una catarsis, las tomaba para decirme cosas a mi misma o fijar sentimientos y no las compartía. Fue ahí cuando empecé a ver que existían sitios en la web donde personas publicaban sus trabajos y obras y decidí unirme a un par de ellos. Inicialmente no subía nada, simplemente observaba, pero luego me fui animando, el ver los comentarios de otras personas y el interés en las imágenes que producía en ese tiempo me motivaron a seguir, eso sumado a estar en contacto con grandísimos artistas y propuestas inspiradoras. Empezó a hacer eco en mi cabeza una frase, me decía que yo debía ser como ellos, que debía pulir mi técnica para poder plasmar en mis imágenes de la forma más clara lo que yo quería: mis sentimientos, tristezas y emociones. Era un deber, una orden a la que no pude resistirme entonces y bajo la que sigo actuando en el presente. ¿Cómo definirías tu estilo? Es caprichoso, tiene vida propia, no me obedece y me posee… a veces salta fuera de mi cabeza sucio, áspero, bizarro, chocante a la vista, poco agradable, dañado y muy ruidoso, pero en otras ocasiones me sorprende y sale sólo silencio, nostalgia, vacío, quietud, como un aroma a gris y nubes que se vuelve etéreo … fantasmal. ¿Estás trabajando en algún proyecto personal? Así es, actualmente trabajo en varias cosas, soy adicta a mantenerme muy ocupada siempre. Mi tiempo se reparte entre un proyecto alternativo (opuesto, realmente) a la fotografía que es el de Ilustración infantil (http://www.wix.com/ochobotas/ochobotas ) con el que recientemente he creado mi propio y pequeño estudio de ilustración, un proyecto constante de fotografías tomadas con el teléfono celular y sin edición posterior en el ordenador (http://diarioparaelcamino.blogspot.com/) y la producción esporádica de fotografía y fotocomposiciones de temáticas personales (http://pesadillanostalgia.tumblr.com/ ) Una de las piezas más impresionantes que has presentado al colectivo es "Abrenuntio". ¿Podrías contarnos la historia detrás de este trabajo? Puedo empezar por lo último que logré definir, el título. Abrenuntio significa renuncia, hace referencia al acto de renunciar o negarse a algo. La imagen puede tener una serie de interpretaciones, prefiero no ahondar en lo que tenía en mente a la hora de componer la serie final para no coartarlas, puedo decir a grandes rasgos que el personaje no está conforme con la situación específica en la que se encuentra, toma conciencia de ello y expresa su incomodidad con la misma hasta que finalmente decide dejarla e irse, se niega, renuncia. La escena no presenta mayor trabajo de edición posterior, los elementos fueron colocados en su lugar en el momento de la toma. Es el movimiento capturado y la expresividad de las interacciones entre ambos personajes lo que otorga interés a la secuencia de tomas. Finalmente me gustaría citar, como mera curiosidad, una imagen en la cual me basé para la colocación de los elementos y actitudes principalmente del primer cuadro. Es una representación icónica de la Virgen María y su “hijo” Jesús en sus posiciones comunes. (http://i916.photobucket.com/albums/ad5/andreamelendez/Pinturicchio_Virgen_con_nintildeo_Ashmolean_Museum.jpg) Nótese alguna leve semejanza entre la posición de la mano, la expresión del rostro y la forma de cargar al niño principalmente. Espero esto sirva como pista o un punto de discrepancia y debate con su propia interpretación de la imagen para el lector. ¿Cómo suele ser tu método de trabajo a la hora de editar tus fotografías? Ya que lo mencionas, la edición de mis fotografías es fundamental, es inevitable y además necesaria. Para mí la imagen obtenida directamente de la cámara es sólo una pequeña parte, un punto inicial, no una imagen definitiva. Nunca he compartido la manera purista de pensar en la que se condena la edición de las fotografías. Ninguna de mis capturas es un punto final, cada una tiene potencial para ser un medio y no un fin inalterable. Creo que es un desperdicio el no hacer uso de la inmensa cantidad de posibilidades que ofrece la tecnología en beneficio de la comunicación. A veces creo escenas en mi mente, inspiradas por emociones u objetos entonces busco la cámara e intento capturar algo semejante a lo que necesito exteriorizar en determinado momento. Pero ahí no acaba, la magia recién inicia, es entonces cuando repaso las tomas obtenidas y de los trescientos o más cuadros capturados, me conecto con uno sólo, el cual se encarga de hacerme una invitación a invadirlo, explorarlo, manipularlo, explotarlo, agredirlo o cambiarlo, es un impulso al que cedo con gusto, una empresa que no abandono hasta dar por acabada. Es un ritual metafórico en el cuál yo si puedo cambiar la realidad, viendo la fotografía como pedazo de la realidad, trozo congelado de mundo, disfrutando en una catarsis el cambiarla a mi antojo, puedo crear una pesadilla a partir del fragmento de realidad atrapado en la fotografía y eso es insuperable, soy capaz de cambiar el mundo, editarlo a mi antojo y eso es magia pura. No puedo decir que tenga un método definido, es algo impulsivo y exclusivo de cada momento, lo que sí es constante es la utilización de una fuerte carga de texturas superpuestas a las imágenes. ¿Son auto-retratos la mayoría de tus fotografías? Si, lo son en su gran mayoría, pero no me gusta llamarlos así, no siento que esté autorretratándome en el sentido rígido de la palabra, no es mi fin que sea evidente que soy yo quien sale en las fotos, me gusta más verme a mí misma como otro instrumento que ayuda en la construcción de la imagen final, algo así como lo es el pigmento al pintor, la figura que capta la cámara es sólo un personaje, una parte de la imagen final. ¿Qué es para ti lo más importante de formar parte de un colectivo de artistas? Son varias las razones por las cuáles lo considero importante, el crecimiento que se obtiene a través de las críticas constructivas constantes, el estar en contacto con el proceso de creación desde la idea hasta el producto acabado de los trabajos de otros creadores, la motivación personal de la sana competencia y el trabajo en equipo para obtener resultados comunes. ¿Cuál crees que es la mejor pieza que has publicado con el colectivo? ¿Podrías hacer una breve explicación de la misma? En realidad no creo que tenga una mejor pieza, porque cada una es única en sí misma y fue definitiva en el momento que se creó y de la idea de la cual ha surgido, pero si podría basarme en la congruencia de “Credo, quia absurdum” (http://www.hysterica...iewer.php?id=44 ) entre lo que yo quería decirme en ese momento, la imagen final y como esta es interpretada por quien la ve. Es una de las fotografías que he tomado y ha capturado desde el momento en el que se fijó en la memoria de la cámara la esencia de la idea tal cual estaba brotando de mi cabeza. A nivel compositivo es simple y no posee mayor edición posterior a la toma, los elementos que se observan estaba ahí realmente en el cuadro, ninguno fue agregado o modificado posteriormente. Tuve la idea, busqué los elementos necesarios, compuse la imagen, y la fijé con la cámara. Dice lo que debe decir de la manera en que yo quería decirlo. ¿Cómo ves el futuro de Hysterical Minds? He tenido la experiencia de estar entre las filas desde hace casi dos años, y he visto crecer la calidad de los trabajos en una manera increíble y a pasos enormes. He visto entrar a Hysterical Minds a artistas que antes yo sólo admiraba de lejos inmensamente conmovida por sus producciones, como Marcela Bolívar, Santiago Caruso, Tony Sandoval, Mario S. Nevado, en un tiempo exageradamente corto. Si el colectivo ha crecido tanto como para llamar la atención de estos grandes creadores y sigue al paso que ha traído hasta ahora yo veo el futuro como algo realmente prometedor para HM. ¿Qué opinas de la escena del arte digital actualmente? Me apasiona. Es un gigante que crece hacia todas direcciones a un ritmo vertiginoso. El aporte de las nuevas tecnologías en conjunto con la fluidez que se tiene ahora para la comunicación gracias al internet nos permite enterarnos hasta del último trazo realizado por alguien en el otro lado del mundo en cuestión de segundos. Existen infinidad de formas de aprender por tus propios medios, está al alcance de cualquiera realmente, se puede estar en contacto cada día con el trabajo de cien mil creadores diferentes y todos demostrando una calidad técnica (y algunas veces conceptual también) impecable. Infinidad de plataformas para mostrar tu trabajo, infinidad de mercados para venderlo o insertarlo, miles de creadores nuevos expuestos cada día y miles en proceso debido a la constante afluencia de información y tendencias. Creo que esta es una escena que no la frena nadie, ni los críticos conservadores, ni los museos, ni las momias, ni las instituciones más paleolíticas en el mundo del “arte”. ¿Qué pros y contras encuentras en la promoción artística a través de internet? Si eres bueno te copiarán, te robarán, te citarán, te entrevistarán, te criticarán o te golpearán así expongas tus creaciones a través del internet, en el MOMA o en la pared de la esquina de tu barrio. Es algo claro. La supuesta seguridad del material intelectual es algo muy cuestionable hoy en día. Sin embargo, tener la oportunidad de promocionar el trabajo propio por medio del internet es una ventana que abre muchas posibilidades tanto para algún aficionado dando sus primeros pasos, como yo, como para algún maestro en determinada área. Es muy positivo el hecho de que conozcan tu trabajo en Alemania, Francia, Argentina, El Salvador, Chile, Croacia con un esfuerzo de tu parte tan mínimo como un par de clic. Personalmente he ido abriéndome camino principalmente por este medio, hasta ahora no he tenido ningún tipo de problemas de derechos de autor ni nada parecido, pero si he conectado con personas interesadas y he logrado que me incluyan un par de trabajos en publicaciones tanto de Europa como de Suramérica, algo que de seguro no habría logrado en por lo menos 30 años si habría temido a promocionar mi trabajo por este medio. ¿Crees que el papel del arte es más o menos importante para la sociedad dada la situación actual? No lo creo importante a decir verdad. Al menos no el arte definido desde una terminología académica, el que se encuentra en museos, subastas, bienales o ferias. Me parece que el arte actualmente es egoísta, puede ser importante para un individúo particular pero ya no para las sociedades actuales tan globalizadas como grandes grupos de individuos. Ha perdido su potestad de medio comunicativo, no se puede haciendo arte llegar a la cantidad de cabezas necesarias como para decir que se está haciendo un aporte considerable o algo que merezca ser considerado “importante para la sociedad”, a final de cuentas: ¿Qué lo es? Visita el sitio web de Andrea Contacta a Andrea


  • Entrevista en exclusiva con Iorch

    ENTREVISTA - June 21, 2012

    Tenemos el gusto de ofreceros una entrevista con una de nuestras nuevas incorporaciones: Jorge Gállego Lorén (Iorch), Músico y Compositor de Barcelona. Cuéntanos algo sobre ti Mi nombre es Jorge Gállego Lorén, nací en Barcelona el 5 de agosto de 1984 y empecé a la edad de cuatro años a estudiar música clásica, en la escuela de música y danza FUSIÓ de Sant Cugat del Vallés, con el maestro Albert Sàrrias que me enseñó a sentir la música de manera sencilla y apasionante, además de a tocar el violín con el método SUZUKI y formar parte de una orquesta con la que disfruté verdaderamente muchos años. Pero no fue hasta hace seis que empecé a componer música propia y a sentir que mi camino en esta profesión era más creativo que interpretativo. ¿Qué te inspira a la hora de crear tus trabajos? Normalmente parte de un concepto concreto. Me siento muy cómodo creando música que vaya relacionada con una o varias imágenes, a modo de banda sonora. Otras veces caminando por la calle o haciendo cualquier otra cosa, tarareo una melodía de la que después nace una canción. ¿Cómo empezaste a desarrollarte como artista? Cuando aprendí que podía crear música propia. ¿Cómo definirías tu estilo? Yo siempre he escuchado mucha música y muy variada. La esencia de mis trabajos radica precisamente en esa mezcla. ¿Estás trabajando en algún proyecto personal? Si, estoy en varios proyectos. Me encuentro enfrascado en un estudio de comunicación que verá la luz en breve, para la realización de música para publicidad. También en la composición de temas para mi página web y en un proyecto de música moderna del que soy compositor, cantante y letrista. También colaboro con vosotros que sois la caña! ¿Cuales son tus influencias? Son muchas, pero si tuviera que elegir, me quedaría con los músicos y compositores del este, debido a esa mezcla tan guapa de música folclórica y música clásica pura. ¿Como es tu proceso a la hora de definir un tema? Una vez claro el concepto, me dedico a buscar información de todo tipo; música de otros artistas, imágenes, películas, etc. Como apoyo para realizar la composición. Es entonces cuando van surgiendo en mi cabeza las primeras notas. Una vez definida la estructura armónica, me dejo llevar. ¿Trabajas exclusivamente en digital o utilizas tambien metodos analógicos? Utilizo las dos cosas, me gusta mucho el contraste sonoro que se puede crear. Trabajo con ordenador, concretamente con LogicPro y en realidad, haciendo música como la hago, es como si mezclara texturas diferentes. En algunas piezas toco la viola, el clarinete, el piano, la voz y alguna que otra percusión, registrándolas con un micrófono. La mayoría de veces con instrumentos de software. ¿Qué opinas de la situación actual de la música? No voy a decir nada nuevo, pero ahora es el momento de poner la carne en el asador e intentar sacar trabajo de manera independiente. Ahora tenemos una herramienta brutal, que nos sirve de mucha ayuda, internet. A nivel personal es el momento de aprovechar el tiempo y sobretodo, ayudarnos entre todos. Un claro ejemplo es lo que ocurre en este colectivo artístico. Cuento con mis herramientas para crear mi música y encuentro difusión a través del portal. Como Juan Palomo. ¿Qué es para ti lo más importante de formar parte de un colectivo de artistas? Para mi es muy importante formar parte de un colectivo artístico que pretende la difusión de todos sus miembros. Juntos tenemos más fuerza. también valoro y mucho, por parte del equipo, las aportaciones a los trabajos que voy exponiendo. ¿Cuál crees que es la mejor pieza que has publicado con el colectivo? ¿Podrías hacer una breve explicación de la misma? En general me gustan todas, por el trabajo conceptual que he desarrollado. Me quedaría con "Composición Fantasma" por la frescura y el cachondeo que emana. Es posiblemente la canción más gamberra que haya compuesto, vengo de un mundo musical muy clásico, donde las extravagancias no están bien vistas, pero yo he sido siempre muy curioso. Cabe decir que me lo pasé de muerte editándola. Las voces son mías, con algún que otro filtro, no os asustéis! Tuve que parar en más de un momento, de lo descojonado que estaba! Aprovecho para agradecer la colaboración excepcional que tuve en la grabación de las guitarras, gracias Matias Szeiman!!! ¿Cómo ves el futuro de Hysterical Minds? Veo un futuro muy prometedor, estamos trabajando cada vez mejor, con un nivel técnico magnífico y sobretodo con muchas ganas. Puede convertirse en lo que quiera. ¿Qué opinas de la escena del arte digital actualmente? Avanza a pasos de gigante, las herramientas con las que contamos cada vez son más completas. Es por ello que veo un gran panorama por delante. ¿Qué pros y contras encuentras en la promoción artística a través de internet? A favor tiene la difusión rápida y barata. Es una revolución. Ahora puedo realizar desde mi casa o en la otra punta del mundo un trabajo que me hayan encomendado desde Japón, por ejemplo. También permite que los interesados en tu trabajo puedan solicitar tus servicios de manera ágil y cobrarlos de manera segura. Así mismo, entablar comunicación directa a través de redes sociales, blogs o página web personal, entre otros, de próximos trabajos en los que te encuentras enfrascado, a modo de promoción. Es cierto que has de estar preparado para responder de manera ágil con tal de satisfacer a todas las partes. ¿Crees que el papel del arte es más o menos importante para la sociedad dada la situación actual? Desde luego en este momento para el gobierno español NO, pero para la sociedad en general ha sido, es y será, fundamental para el desarrollo intelectual. El arte es sinónimo de libertad de expresión. Desde que el hombre es hombre el papel del arte existe de forma ininterrumpida. El hombre primitivo pintaba en las cuevas y recientemente han descubierto que daba importancia, a la hora de interpretar música para rituales, a la acústica de los espacios que utilizaban para realizar los mismos. ¿Hacia donde crees que evolucionarán las disciplinas artísticas de hoy en día? Creo que va a seguir siendo lo que es en este momento, reinterpretación. Siempre ha sido así. En mi caso ya sería la leche poder oler, tocar y oír una pieza musical, de echo creo que ya se puede. ¿Cuál es tu opinión sobre el arte contemporáneo? Creo que hemos llegado a un punto que el arte se ha banalizado mucho. A veces el artista en cualquier disciplina interpone la venta a la creatividad. En mi caso siento la necesidad de expresarme mediante la música y si a eso puedo sacarle un rendimiento comercial perfecto, pero siempre siendo honesto conmigo mismo.


  • Entrevista al grandísimo ilustrador Sebastian Cabrol

    ENTREVISTA - February 11, 2012

    Hoy tenemos un impresionante ilustrador y dibujante de cómics , su talento es tremendo , se llama Sebastián Cabrol , su especialidad es el cómic aunque en general ilustra de maravilla y es un placer tenerle hoy aqui . Comencemos esta estupenda entrevista a este gran artista. ¿Como empezó tu andadura en el mundo del Arte ? Empezó como con todo chico, dibujando con mis hermanos o en la escuela; naturalmente conocíamos las historietas (comics) ya que había en mi país, además del cómic de súperhéroes, una editorial llamada Columba, que publicaba una gran cantidad de historietas de consumo masivo de los más diversos géneros; eran muy populares y crecí leyendo a autores como Robín Wood, Lucho Olivera y un montón más que eran en verdad creadores de calidad metidos entre historias "románticas" y de aventura a secas. Por supuesto que también leía Skorpio y a veces Fierro, dirigida aun público más adulto. todo ese mundo ( y el de los dibujos animados, entre los cuales destaco "robotech) terminó por hacerme aficionado a representar lo que me impresionaba en dibujos, ya fuera copiando de las mismas páginas o intentando reproducir lo que había visto hace un rato en el cine. Nombra de tus trabajos tu obra favorita Es difícil. por ahí me pasa que tengo preferidos dentro de cierta tendencia mía, mas personal, y otro que me gusta igualmente por razones técnicas o porque me salió tal cual me lo había propuesto. Pero aunando las dos miradas diría que se trata de "Mascarada" que es un dibujo a la tinta aguada, coloreado digitalmente. ¿Como ves la situación laboral para los ilustradores en tu país? Si te contesto estrictamente desde mi experiencia te diría que difícil, extenuante. Hay que insistir todo el tiempo y no esperar que lluevan propuestas de trabajo cada día. Es común ver a dibujantes muy talentosos quejarse de la falta de trabajo "constante" en su perfil de facebook u otra red social. Por otra parte veo muchos artistas que se están abriendo camino y también un abanico interesante de propuestas editoriales que parecen dar oportunidades a la gran creciente cantidad de artistas argentinos. La cuestión es entrar en el circuito de publicación. Como ilustrador dinos que buscas alcanzar en tu arte. Básicamente busco satisfacer un deseo personal, el de representar libremente y sin censura lo que me atrae estéticamente, esa sensación huidiza que sentíamos de niños al mirar algo que nos impresionaba, que nos mostraba algo diferente (tal vez la mirada del artista). todos estamos expuestos al peligro de reproducir cierta estética en serie, genérica, que viene por defecto en los productos de masas, el desafío es ir más allá y ver cuál es nuestra mirada, que es lo que tenemos para ofrecer de diferente, aunque la diferencia sea sutil. Viendo mis dibujos en retrospectiva te diría que veo un equilibrio entre dos fuerzas: la representación clásica, basada en la ilustración y los comics, y cierta tendencia al surrealismo o la irracionalidad como fuente de situaciones perturbadoras. Últimamente estoy prestándole atención a los mecanismos narrativos del horror más clásico, pero siempre tratando de pasarlo por mi propio tamiz. ¿Cuanto tiempo puedes llegar a tardar en hacer una de tus mejores obras? Depende de lo compleja que sea. Por lo general una ilustración simple, aunque trabaje en tamaño A3 o mayor, siempre es más fácil que una página de cómic, por lo menos en el nivel de complejidad que manejo. He hecho dibujos en una tarde, y otros me han llevado semanas. A su vez he notado que cada vez tengo menos paciencia a la hora de ver un dibujo terminado (paciencia que era en cierto modo inseguridad y miedo de arruinar el dibujo con algún mal trazo) y en algunos casos, como con el dibujo digital, trato de terminarlo en el momento, aunque me lleve dos o tres horas sin parar. Háblanos un poco de tu trabajo, de que programas utilizas y porque, cuales te vienen mejor en cada momento de tu elaboración de tus obras. En un principio usaba Photoshop, pero solo para colorear dibujos previamente entintados. Lo hacía con el mouse lo que me llevaba un trabajo que hoy en día no haría, pero que en el momento me parecía una posibilidad excitante e inesperada ¡se podía colorear sin tableta! en este apartado Photoshop es fuerte y mucha gente ha hecho trabajos increíbles con el mouse (vean a Scuzzo, por ejemplo). Al mismo tiempo (2009) más o menos me enteré acerca de Corel Painter y me pareció muy interesante. Desde que empecé a usar tableta gráfica estuve investigando la numerosa cantidad de software para artistas y editores de imagen, probando muchos y viendo cuales me parecían más adecuados a mi forma de trabajar. Hoy en día uso varios programas en tándem (¡sacrilegio!) ya que nos soy tan experto como para hacerlo todo en uno solo. Para entintar -cuando decido hacerlo digital- uso más que nada AzDrawing 2.02 un programa japonés gratuito orientado al abocetado y pasado a tinta. este programa aprovecha muy bien la sensibilidad de la tableta, modulando la línea casi como si estuviéramos manejando plumas y pinceles, cosa que Photoshop no hace. Prueben y comparen. Aprovechando esta fina motricidad me es posible emular el entintado tradicional y lograr resultados casi exactamente idénticos a mi modo de entintar de siempre, que a veces es abigarrado y problemático. A la hora de colorear la opción (siempre personal y muy mía) es Paint tool SAI, el cual si bien tiene muchas limitaciones y pocos pinceles es sumamente modificable, da una apariencia que no tiene nada que envidiar a Painter y sobre todo no se "cuelga" ni se retrasa con trabajos en lienzos grandes. Este programa comparte con Azdrawing un muy útil parámetro de estabilización que interpreta tu trazo y lo estiliza, en el caso de que tu pulso no sea precisamente de hierro. Como dije uso estos dos programas y para lo que pueda faltar está photoshop. Nos gustaría saber algún consejo o truco que utilices normalmente tú para los que están empezando. Esto es en general y para nada debe tomarse como la palabra de un experto: SIEMPRE hagan bocetos, layouts, sketches, como quieran llamarlo. A la hora de emprender un dibujo es esencial saber qué es lo que queremos dibujar, de qué tamaño y proporción, como se ubicará en la hoja, como será la iluminación, etc. para esto es imprescindible dibujar una miniatura, una silueta rudimentaria del grandioso dibujo que queremos hacer, como si lo viéramos en la vereda de enfrente detrás de una vidriera. sobre todo no es permitido pensar "Ah, chiquito y borroso es fácil, ahora, cómo lo dibujo?" eso es otro tema, lo importante es la IDEA que se te ha ocurrido; no la sepultes bajo tus limitaciones; ya habrá tiempo para estudiar un poco de perspectiva y anatomía; lo primero es esa idea, y si la dibujaste ya tienes la mitad del trabajo hecho. Y para los más entendidos o expertos ¿ tienes otro truco un poco más avanzado? Sinceramente no. Soy muy poco metódico y es posible que nunca encare un dibujo de la misma forma que el anterior, por lo que mi método es variable. Además lo que es avanzado para mí puede ser de aficionado para otro. Sobre tus futuros proyectos ¿que tienes planeado para tu futuro inmediato o lejano? Trabajar del dibujo. Y que ese trabajo me dé la ocasión de seguir explorando las posibilidades de un estilo. Que no sea meramente un trabajo. Háblanos del cómic, cuéntanos por que te has decidido por esa rama. Como ya dije, la historieta siempre ha estado en mi vida. supongo que me interesa contar una historia. el cómic es fundamentalmente narrativa, el dibujar perfectamente pasa a un segundo plano. Todavía tengo mucho que aprender en esa dirección; y solo se aprende planificando, abocetando, viendo las secuencias terminadas. El cómic tiene una parte mala que son las repeticiones, es decir se suele dibujar siempre al mismo personaje en diferentes posturas y situaciones, esto al creador se le suele hacer pesado, porque por naturaleza el artista necesita dibujar cosas diferentes, en tu caso ¿como llevas lo las repeticiones y que haces para superarlas ? Todavía trato de que no me importe eso, que suele ser muy tedioso y me imagino que es el responsable de que sea difícil mantener el mismo nivel en todas las viñetas. Una página de cómic no es UN dibujo, es 4, 6 o 10. cada dibujo tiene repeticiones pero también tiene sus planos diferentes, su propia perspectiva, iluminación, etc. Aprovechar el poco espacio también es un desafío; por instinto tratamos de llenar toda la página, pero si lo pensamos mejor se ve que dando un poco de aire la composición general luce más interesante. Tus ilustraciones son muy oscuras, te manejas bien en ese terreno ¿por qué la oscuridad? ¿que te llama la atención de ella? Diría que me interesa fundamentalmente lo fantástico. Creo que lo fantástico, si admitimos por un segundo que lo sobrenatural existe por fuera de la obra de imaginación, tiene sus propias leyes y estas no son comprensibles. Tiendo a pensar que lo extraño e irreal surge para perdernos; es una manifestación intensa de miedos que son nocivos ¿como nos iban a hacer bien? de manera que representarlos es una forma de domesticar algo oscuro en esencia. Luego está el tema de las obsesiones; sin ponernos serios, a veces surgen imágenes que nos persiguen y aunque no las entendamos bien es necesario aclararlas, llevarlas a cabo. que no sean racionalmente analizables no les quita importancia. En cuanto a la oscuridad, pienso que el género fantástico a alcanzado sus picos más altos mientras la fantasía no es benévola y la compleja perversión del hombre encuentra su equivalente en una monstruosidad que profana la materia y el espíritu (que frase). De otro modo estamos ante un cuento de hadas, que si carece de profundidad, parece ingenuo y poco interesante. Con lo dicho no niego las obras de fantasía que no tienen al horror o a lo maligno como tema principal; ciertas fábulas y tradiciones religiosas del mundo son sumamente bellas y no tienen nada aparentemente siniestro dominando la atmósfera. ¿cuanto tiempo puedes tardar en hacer una página de un cómic? ¿ y el comic entero? Lo ideal para mí sería tardar una jornada para los lápices y otra para la tinta. A veces lo he logrado, sobretodo cuando había que cumplir con alguna fecha. El comic completo puede tardar más que esta sucesión lápiz, tinta. muchas veces surgen revisiones, correcciones. ni hablar si las páginas van a ser letreadas y coloreadas. En la industria norteamericana es conocido su método basado en el fordismo, la división de tareas. se asignan tantas personas como tareas se necesitan y se pone en marcha el mecanismo: un artista hace el lápiz y le pasa la página al entintador, mientras sigue con la próxima. El entintador termina lo suyo y es hora de que el colorista aporte arte; luego viene el letreado y así hasta que se completan las 22 o 24 páginas. la rapidez con la que terminan los proyectos es impresionante. Dicen que en cinco millones de años no quedará nada del arte actual ¿que piensas de eso? tus obras y la de los grandes artistas, estarán extinguidas, olvidadas o desechas ¿o crees que no? qué opinas de la inmortalidad del arte ...¿crees que existe? o todo tiene fecha de caducidad. Cinco millones de años es una cantidad inmensa de tiempo, que en una escala histórica humana nunca se ha experimentado desde que somos seres pensantes. Es probable que no quede nada, ni de cultura, ni de humanidad. No creo que un artista cree para sobrevivir infinitamente; el arte es una forma de comunicación en parte (y en su mayoría) atada a la cultura en que se crea. Solamente conocemos y nos identificamos con tragedias que no tienen más de 2500 años. No sé, pienso que a nivel experiencia las obras en general envejecen a ojos vistas; solo un puñado de la inmensa cantidad de creaciones artísticas será recordada en un futuro cercano. en el pasado seguro había muchos menos artistas; escritores, músicos y actores. Hoy en día cuantitativamente se podría pensar (según el positivismo) que hay más posibilidades técnicas y educativas para que surjan nuevos Leonardos y súper genios, pero lo veo difícil. La obsesión actual por la rapidez y por la novedad casi inmediata hace que, si hay genios, estos tal vez se diluyan entre la marea incesante de información. Si hubiese un cataclismo mundial y tendrías una posibilidad de empezar de nuevo en otro planeta, escapando en una nave nodriza, dinos 3 obras de arte que meterías en la nave para salvarlas , ya que no tendrías espacio para más. Dificilísima pregunta. Primero, tendría que ser un experto en arte para responderte y no solo eso, tendría que conocer el 90% de las obras producidas por la humanidad. Pero acotando el margen a la ignorancia y al gusto personal diría que me llevo: -el jardín de las delicias, de Bosch -el nacimiento de Venus, de Botticelli -Danae, de Klimt podrían haber sido otras, pero seguro alguien más salvará la Gioconda, el David, etc. Gracias maestro por esta fantástica entrevista a sido un honor tenerte en Hysterical Minds ¿quieres contarnos una última cosa ? Nada mas agradecerte por esta entrevista David y por darme a conocer Hysterical Minds. Un gran saludo para todos.


  • --M-- entrevistado en Grandes-Artistas

    ENTREVISTA - January 21, 2012

    Nuestro artista --M-- ha sido entrevistado en el sitio español de Grandes-Artistas.com Lee la entrevista entera acá


  • Oscuro entrevistado en Grandes-Artistas

    ENTREVISTA - January 19, 2012

    Nuestro artista Oscuro ha sido entrevistado en el sitio español de Grandes-Artistas.com Lee la entrevista entera acá


  • Entrevista a Urih Pta2 en DevotionBCN

    ENTREVISTA - January 11, 2012

    Nos complace presentaros la primer entrevista en colaboración con DevotionBCN a nuestro artista Urih, donde podreis ver el Making Of de este fantastico graffity. Director :Kepa Gainza / Produced : Liran Szeiman / Cameraman & Edit: Kepa Gainza / Still Photography: Servando Aguayo / Subtitles: Carolin Vogler / Music: Giro Er Nene "Welcome, Its Magic,Que te pasa" Full view AQUI Fotografias por Servando Aguayo


  • Entrevista a Dumaker

    ENTREVISTA - October 28, 2011

    Vamos a entrevistar a algunos de nuestros artistas, y quien mejor para empezar que Dumaker. Se unió a nosotros en el ultimo pack con 3 increíbles trabajos y que puedo decir, su trabajo para el próximo pack es impresionante. Mientras tanto podeis leer esta magnífica entrevista a continuación: Pregunta: Bueno, Dumaker(moisés), en primer lugar muchas gracias por concedernos esta entrevista. Para empezar, ¿por qué no nos describes con unas cuantas palabras tu estilo de trabajo, bajo tu propio punto de vista? Respuesta: Primero, agradeceos sobremanera que hayáis tenido la extraña idea de comenzar esta serie de entrevistas precisamente conmigo. Esto va a ser divertido... y difícil. Me cuesta mucho hablar sobre mí o sobre mi trabajo, y no es falsa modestia ni nada por el estilo, es una consecuencia de no tomarme demasiado en serio. Hago lo que me gusta y ni siquiera lo hago especialmente bien, así que bueno... cojo mi pipa y tomo la pose de interesante ilustrador. ¡Vamos a ello! ¿Mi trabajo? Bueno, no hay más que ver una muestra de mis ilustraciones para darse cuenta (lo acabo de hacer) que en la gran mayoría prima la oscuridad, lo tenebroso, lo extraño, así que imagino que indudablemente mi obra se caracteriza por ser densa y siniestra, aunque con unas gotitas de sana ironía. También intento que las atmósferas de mis trabajos destaquen del resto, busco crear siempre un ambiente característico. Que el espectador deje volar su imaginación y sienta por un instante estar allí. P: He visto toda tu portafolio y es impresionante, ¿como vienen a la cabeza esos personajes?,¿Son vivencias tuyas lo que te influencia o es simplemente imaginación? R: Sería imposible, al menos para mí, haber creado todas esas ilustraciones sin haber salido a patear la calle, sin haber vivido en mis carnes las cosas que he vivido, sin haber experimentado o haber conocido a quien he conocido... sin haber errado y acertado en la vida real. Cada instante cuenta, cada recuerdo es munición para una próxima ilustración. La imaginación es importante, pero más que como un ente creador de la nada, yo la veo como un filtro transformador de cosas que están ahí. La imaginación deforma, enriquece y retuerce realidades que he vivido. P: Tus ilustraciones casi siempre tienen un toque de humor o ironico, ¿que quiere expresar con ello? R: Es cierto, pero también lo es que no medito mucho las cosas... ni antes de ponerme manos a la obra ni después. Supongo que no quiero expresar nada concreto, pero esa visión irónica, ese contrapunto conceptual es la consecuencia de mi modo de ver la realidad. No me tomo en serio demasiadas cosas, así que en mis trabajos intento no dejarme llevar completamente por la solemnidad, el drama y la épica de un tema y siempre me guardo una pequeña vuelta de tuerca para de hacer aquello algo distinto. Quitarle dramatismo. Con unas ilustraciones tan densas como un amargo puré ponzoñoso, siempre es divertido añadir al mejunje algo de sal y picante. P: Pasando a temas enfocados hacia lo profesional, ¿cuáles son tus metas más cercanas a alcanzar, ahora mismo?¿Estás conforme con tu progreso hasta ahora como artista a nivel profesional? R: Bonita forma de bajarme a la realidad, empezaba a irme por las nubes. Bien, en una situación como la actual en la que los carcomidos cimientos del sistema empiezan a resquebrajarse, el futuro laboral es incierto, y lo es para todos. La cultura, el arte, el diseño... son un pilar básico de una sociedad (o debería serlo) hasta que empieza a faltar la comida. En un mundo ideal, mi próxima meta es seguir evolucionando tanto como diseñador como ilustrador, aunque ambas son dos caras (y hay muchas más) de la creatividad. Así que sin duda lo profesional es un reflejo de lo personal en este sentido: seguir creciendo y aprendiendo. En el mundo real, sobrevivir. En cuanto a mi evolución, es complicado. Creo que podría ser mucho mejor de lo que soy, pero para ello tengo la convicción de que debería haber sacrificado muchas cosas que, por otra parte, me han llevado a donde estoy y me han hecho como soy. Entonces, tampoco me arrepiento. He tenido altibajos y épocas en las que no he tocado un lápiz... por falta de tiempo, inspiración o motivación. Estoy intentando recuperar algo de ese tiempo y evolucionar con paso firme hacia algo mejor. Hoy por hoy, y haciendo frente a varias crisis económicas, prácticamente todos los sectores del mercado se han vuelto más exigentes y hay una mayor competitividad en todos los ámbitos. P: ¿Crees que a estas alturas sigue siendo posible pensar en el arte como forma de vida, o es más una utopía que otra cosa? R: En parte contestaba al tema de las crisis, o mejor dicho, la Crisis, en la respuesta anterior: creo que la situación va a ir a peor y tal vez estamos ante la caída de otro gran imperio, de una forma errónea de concebir la vida. El arte se alimenta también de las convulsiones sociales, de la rabia del pueblo y forma parte siempre de la reconstrucción y del nacimiento de las nuevas formas sociales. Está unido al espíritu humano y como tal no hay que temer por que vaya a desaparecer. Jamás. Pero irá de la mano del hombre desnudo, no de las instituciones, ni de las corporaciones o los gobiernos. No irá de la mano de subvenciones, sino de la necesidad creadora y el compromiso. Por otro lado, pensar tal vez en una visión romántica del artista se hace hoy complicado. Alguien que mantenga su obra ajena a las presiones, alguien que sólo crea movido por su propia voluntad, sin prostituir su talento es... eso sí, casi una utopía reservada para unos pocos. El resto debemos hacer del arte una forma de vida compaginándolo con una faceta mucho más mundana y gris: crear para comer, diseñar a la carta, pintar por encargo... poner nuestras manos y talento al servicio de empresas.. P: Respecto a tus obras hemos visto muchas, algunas buenas y otras muy buenas, pero,¿crees que tu mejor obra esta por llegar o que ya la has realizado? R: ¡Qué locura! ¡Rotundamente mi mejor trabajo está por llegar! Si con 28 años pensase que ya tengo en mi portafolio mi mejor trabajo posible, tendría un serio problema. Aun me queda muchísimo por aprender y cada puñetero día te topas con algo nuevo, algo útil. Sí, aun está por llegar. P: ¿Por qué razones decidiste lanzarte al mundillo del diseño y la ilustracion y en que momento? R: Desde luego no vas un día por la calle andando sin rumbo y te deslumbra la Santa Madre del Diseño Gráfico o la Santísima Ilustración Dolorosa, es un proceso que te hace, desde muy joven, ir tomando un camino concreto. En mi caso, desde niño ya llenaba ingentes cantidades de papel con dibujos y dibujos y dibujos y di... Entonces te das cuenta de que tienes algo, aunque no sea deslumbrantemente importante, que te diferencia del resto (y no sólo unos cuadernos auto-decorados "horror vacui"). Eso te lleva a tomar caminos académicos y personales que terminan por desembocar, un día, en tu profesionalización. Es el resultado de: familia que te ha apoyado, consentido y soportado, compañeros que te han ayudado y criticado, profesores que te han motivado, personas que te han inspirado y hecho soñar y por último, gente que te ha dado oportunidades. P: ¿Como transcurre una jornada de Dumaker ? R: A día de hoy, una jornada normal de trabajo no es nada apasionante ni digno de mención, así que remontaré en el tiempo a mis años de estudiante de diseño gráfico y os contaré, brevemente como era. Mi jornada comenzaba a eso de las 15:00 de la tarde, cuando despertaba, legañoso y desorientado en mi enorme cama de matrimonio fruto de haber ganado por sorteo a mis compañeros de piso esa habitación. Comía lo que me encontraba y después, caía en la cuenta de que hacía unos 40 minutos que habían comenzado las clases. Los días que podía, asistía feliz a las clases, y los días que no, dedicaba esas horas a vivir. Lo interesante llegaba por la noche (aquellas noches que me permitía fueran provechosas artísticamente hablando). A eso de las 23:00 me encerraba en ese mismo cuarto y las horas pasaban de una forma casi enfermiza, sin referentes concretos, sin horarios... sólo el silencio y las ganas de trabajar. Una extraña felicidad y la sensación, al irme a dormir a eso de las 7:30 de la mañana, de no haber podido invertir mejor una noche de mi vida. P: En tus trabajos vemos todo tipo de personajes, pero pocas veces se repiten, ¿has pensado en crear un personaje base al que le puedan pasar diferentes aventuras y situaciones, como hacen otros artistas? R: Curioso.... no caigo en este tipo de cosas nunca. Lo cierto es que pocas veces (seguramente nunca) mis ilustraciones tienen una continuidad real. Si temática, pero no hasta el punto de tener una creación fetiche a la que dar nuevas oportunidades. Aunque... ahora que caigo, si tengo un personaje favorito y que he repetido: la muerte. P: Si no fueras illustrador, ¿qué otra cosa te gustaria hacer? R: Por suerte ya la hago: diseñar. Aunque como decía, ambas son facetas de algo difícilmente descriptible que es el motor que me impulsa a crear. Y si no hubiera tenido la suerte de ser creativo en ese sentido, me hubiera gustado tener una extraña banda de punk, acelerada y ecléctica con la que viajar por todo el mundo jujujuju P: Nos podrias describir, en unos pasos básicos, como es la creación de una obra de Dumaker, como empieza y como llega a nuestra pantalla. R: En este sentido no siempre preparo mis trabajos de la misma forma, aunque lo natural es que antes, en papel, abocete la composición general y busque la más atractiva. También preparo breves estudios anatómicos si el trabajo contará con algún personaje. Hago vistas en detalle de ciertas partes, pero nada muy elaborado. No me dejo demasiado tiempo aquí (cosa que, por desgracia, seguramente luego influya en la calidad final de la obra). Entonces me pongo manos a la obra con la tableta e intento plasmar esa composición a grandes rasgos. A partir de ahí el proceso es el común. Ir detallando de lo más general a lo más concreto, trabajando el color y dando a la obra la atmósfera deseada. Otras veces parto de un trabajo escaneado que uso como base, y otras muchos, empiezo desde cero directamente con bocetos rápidos digitales. P: ¿Qué es lo más divertido dentro de la vida del ilustrador Dumaker?¿Y lo que más te aburre? R: Realmente la gran mayoría de mis días son divertidos, lo son, creo, porque he aprendido a estrujar sobremanera las pequeñas cosas del día a día. No puedo viajar mucho, pero tengo una imaginación preocupantemente nítida. No tengo mucho dinero, pero tengo una chica y una gata blanca a mi lado que hacen que no sea necesario. Tampoco tengo grandes proyectos entre manos, pero cada fin de semana me rio tanto por ahí con mi gente, a la que quiero de verdad, que no lo cambiaría por nada. También intento tomarme cada día, en mi trabajo, como una oportunidad por mejorar, por aprender y pasarlo bien. En cuanto al aburrimiento, siempre estoy ocupado, siempre haciendo algo, ¡no me aburro joder! P: Hemos podido ver en tu portafolio mas enfocado al diseño todo tipo de trabajos, puedes comentarnos como es, por ejemplo, trabajar con una editorial de libros, para todos los que estan empezando en este tipo de trabajos? R: Mi primer trabajo con una editorial fue la creación de dos libros ilustrados, casi a modo de cómic, para el público infantil. En ellos el alumno aprendía a tocar la guitarra. Fue divertido, fue estresante, fue increíble verlos publicados y no me hice rico. También fue el obligado paso creativo de dibujar cadáveres pestilentes rebosantes de gusanos a crear a una siempre-sonriente pandilla de niños despreocupados de familias bien. Mi experiencia con editoriales es muy limitada. Tienes plazos cortos, ingentes cantidades de trabajo, correcciones demenciales de última hora y un contrato. Diría que, seguramente, te prepares para llevar una vida nocturna. P: ¿Cuales son sus principales referencias a la hora de ilustrar? R: El tema de los referentes siempre me deja en fuera de juego. Me encantaría dar una lista, ordenada alfabéticamente, de aquellos artistas que admiro, que me inspiran y a los que imito en secreto, pero no la tengo. Nunca he idolatrado a ningún artista, ni sigo su trayectoria o conozco su obra completa. Esto, que suena a "soy guay, voy a mi bola, no tengo ídolos, soy autodidacta y uso gafas sin cristal" realmente es todo lo contrario. No dejo de maravillarme con los trabajos de muchísima gente... alucino y se me acelera el pulso viendo las grandes obras de los clásicos, veo a Goya y me pongo blanco. Pero también lo hago con los portafolios de los grandes de cómic, de muchos "concept artist" actuales, con los trabajos de los míticos ilustradores fantásticos. Con paisajistas, creadores de criaturas 3d, diseñadores web anónimos, creadores de interfaces, animadores... ¡también con los compañeros del colectivo! Me emociono con casi cualquier obra suficientemente buena de cualquiera pero, por falta de memoria, o el esfuerzo que supone, soy incapaz de ser fiel a un artista concreto, o sentir que alguno me ha influenciado de manera determinante. P: ¿A qué edad empezaste a interesarte por el arte?¿Como fue esa "primera vez" de satisfaccion al realizar un trabajo? R: Como decía antes, es algo que siempre está ahí, de manera totalmente natural... forma parte de mi y no concibo mi vida sin haber estado siempre trasteando con un lápiz, imaginando ilustraciones o soñando despierto. En cuanto a esa primera vez, sí que la recuerdo. Fue al poco de comprar mi primera tableta gráfica, la Wacom más pequeña y barata que había, creo una "Graphire" azulada. Debería ser el año 98 más o menos. Estaba por aquel entonces loco con la ilustración fantástica... orcos, monstruos, enanos y mucho acero oxidado. Sabía de mis limitaciones y me esforzaba... Así que creo que ese verano terminé un trabajo a color, no recuerdo exactamente cual, pero sí recuerdo la sensación y excitación que sentí al verlo terminado. El acabado era lo más profesional que había hecho hasta la fecha, tenía buenos colores, un bonito paisaje, personajes y algo de acción, así que me quedé mirándolo y sentí que había subido un escalón. Aun quedaban y quedan muchísimos por subir ~:) P: ¿Como descubriste Hysterical Minds y como lo ves desde dentro? R: Martín de Diego (--M--) es el culpable. Es un artista (jodidamente bueno y excelentemente crítico) al que conozco desde hace mucho en DeviantArt. Fue él el que me comentó hace ya tiempo si estaría interesado en entrar, pero realmente me quedaba muy lejos por entonces la idea de un colectivo y de todo lo que me contó, se movía dentro. No tenía demasiado tiempo y siempre me ha costado entrar en contacto con otra gente, incluso virtualmente. Soy una rata antisocial jajajajaja. Sea como sea, hace unos meses me encontré de golpe con más tiempo para gastar, y pensé que era el momento y el lugar. Así, y gracias también al curso acelerado de "Hystericalminds.com" por parte de Liransz, terminé de integrarme en el colectivo. Es la primera vez que estoy en uno, o en algo remotamente parecido. Y me parece algo jodidamente bueno se mire desde donde se mire. Es genial. Es una motivación extra, una forma de conocer a otra gente, de ayudar y ser ayudado, de mejorar y de tener mayor presencia y crecer como artista. Difícilmente podría ser mejor. P: He podido ver tu portafolio como ilustrador y la verdad es que es increíble, cuanto tiempo te tomo montarlo si hablamos de todo el codeo y el trabajo de ilustración? R: Dumaker.com fue un proyecto que abarqué con una necesidad imperiosa de encontrar trabajo. Es importante enfocarlo así, y en aquel momento necesitaba ese arsenal virtual para complementar mi currículum. Lo cierto es que me llevó mucho tiempo: diseñar la web, recopilar mis antiguos trabajos, programarla... Sobre todo programarla. La programación web me queda algo grande (no sabía hasta que punto hasta ahora, que trabajo rodeado de gurús del PHP, XHTML, CSS o ActionScript 3...). Hablo de meses de trabajo intenso. Curiosamente, ahora estoy proyectando de nuevo mi web. Será menos personal pero sí tal vez más profesional. Mejor enfocada. Y no la voy a programar yo, así puedo centrarme totalmente en el diseño. Espero tenerla preparada pronto ~:) P: Por ultimo muchas gracias una vez mas por concedernos la entrevista y le pido unas palabras para todos nuestros usuarios que están empezando o ya llevan un tiempo en esto, ¿qué les recomendaría? R: Insisto, gracias a vosotros por proporcionarme esta curiosa experiencia casi psicotrópica: estoy aquí, taza de té en mano, un soleado sábado por la mañana, hablando de mi sin parar... Ayer salí y temo no haber estado en mi mejor momento, pero ha sido divertido. ¿Mi recomendación? Sencilla... disfrutar siempre con lo que se hace, aprender con cada trabajo, tanto si es un apasionante proyecto creativo como un aburrido encargo. Esforzarse. Y sobre todo vivir. Tocar la realidad, formar parte del cambio, enriquecerse como persona, y después, reflejarlo en nuestras obras... sólo así tendrán alma. ¡Un saludo!


  • Santiago Caruso entrevistado en la revista digital "N-SPHERE"

    ENTREVISTA - October 12, 2011

    Santiago Caruso ha sido entrevistado en el último número de la revista online "N-SPHERE". Pulsa AQUI para echarle un vistazo a su entrevista y a su siempre increible arte.